miércoles, 30 de enero de 2013

"Tangomanía" (Cosentino), ejecutado por Solare



* TANGOMANÍA, de Saúl Cosentino, ejecutado por Juan María Solare el domingo 14 de febrero de 2010 en el "Salón Comunitario Vieja Escuela" de la iglesia Zionskirche Worpswede (Alemania), ciclo Worpsweder Orgelmusik nr. 222.
* TANGOMANÍA, by Saúl Cosentino, performed by Juan María Solare on Sunday 14th February 2010 at the "Community Hall Old School" of the chruch Zionskirche in Worpswede (Germany), cycle Worpsweder Orgelmusik nr. 222.
* TANGOMANÍA, von Saúl Cosentino, aufgeführt durch Juan María Solare am Sonntag, 14. Februar 2010 im Gemeindesaal Alte Schule der Zionskirche Worpswede, Reihe Worpsweder Orgelmusik nr. 222.



Saúl Cosentino (nacido en Olavarría, Argentina, el 21 de marzo de 1935), es un compositor y pianista argentino cuyas obras tienen fuerte raíz en el tango. Se perfeccionó en sus estudios con Galia Schalman y con Guillermo Grätzer. Publicó su primer disco  -«Fuera de serie»- en el año 1983, en el sello discográfico RCA; ha realizado un total de 12 álbumes, algunos de ellos publicados en Estados Unidos y México, participando en las grabaciones cantores como Raúl Lavié, Carlos Rossi, Julia Zenko y Hernán Salinas. El pintor Pérez Celis realizó varias de las tapas de los álbumes de Saúl Cosentino.

En 2012 se publicó un álbum titulado "Retrospective" con 14 partituras inéditas de Saúl Cosentino en la editorial Ricordi de Munich (Alemania). El álbum fue editado por Juan María Solare (http://www.tango.uni-bremen.de/cosentino.htm).

El tema "Tangomanía", en versión para piano a cuatro manos, fue incluido en el álbum de partituras "Tangos para cuatro manos", con arreglos de Juan María Solare, publicado asimismo en la editorial Ricordi de Munich (http://www.tango.uni-bremen.de/tangosparacuatromanos.htm)

Más sobre Cosentino en http://www.veengle.com/s/Tangoman%C3%ADa.html

martes, 29 de enero de 2013

Gertango (Solare), por Gert Gondosch




GERTANGO, obra de Juan Maria Solare, ejecutada por Gert Gondosch (violin) en el concierto "Rondo Kagel" del Dúo Tangente el 15 de septiembre de 2009 en el ciclo "unerhörte Musik" (música inaudita) del Berliner Kabarett Anstalt (Berlin, Alemania).


Gert Gondosch es violinista en la Orquesta Filarmónica de Bremen. Forma, con Solare, el Dúo Tangente y el dúo estuvo en la 9a Cumbre Mundial del Tango en Finlandia, 2011.


Gertango es una obra en la convergencia de dos tradiciones: por un lado, ritmos y recursos instrumentales provenientes del tango argentino; y por el otro, técnicas compositivas enraizadas en la vanguardia experimental. Un oído atento descubrirá en Gertango tanto la sombra de Astor Piazzolla como el aura de Helmut Lachenmann.

lunes, 28 de enero de 2013

Eugenio Gury


El 4 de septiembre de 1910 nació en Santos Lugares (Pcia. de Buenos Aires) el contrabajista EUGENIO GURY. Debutó en 1925 integrando a lo largo de su carrera las orquestas de Luis Servidio, Francisco de Rose, Julio de Caro, Antonio Arcieri, Ricardo Plastino, entre otras. Escribió varios tangos: con Edmundo Rivero, "Fue"; con Héctor Marcó, "Frente a la cruz"; con Lito Bayardo "Tus ojos tristes". Falleció el 15 de diciembre de 1979.

Tuve el gusto de conocer su familia. Su hijo Héctor, contrabajista, era amigo de mi hermano, cuando vivíamos en Santos Lugares. Lo conocí como violinista.

Cosquín 2013, según Omar Moreno Palacios

(Tomado de Taringa)

El cantor surero Omar Moreno Palacios, quien ofició de jurado durante el concurso Pre-Cosquín de la 53ª edición del festival folclórico, reflexionó sobre el nivel de los aspirantes al tradicional escenario y concluyó que desde hace años "el nivel emparejó hacia abajo" pero aclaró que "nunca tanto como este año".

"Los muchachos aprenden un tema y lo cantan sin tener memoria de lo que están cantando. Si bien el nivel se ha emparejado hacia abajo desde hace tiempo, nunca tanto como este año. Hemos tenido que declarar rubros desiertos en muchas noches y a veces nos decíamos entre nosotros: `al menos hagamos pasar a uno´", relató Moreno Palacios en diálogo con Télam.

El cantor y guitarrero oriundo de Chascomús, identificado con el concepto de la canción surera, que se alimenta de ritmos de la región pampeana como el cielo, la cifra o el estilo, sostuvo que la realidad que señala es producto de que "los chicos no tienen espejos y de algunos de esos espejos que tienen están empañados".

"Vienen chicos de Buenos Aires y te cantan la `Zamba del carnaval´ (del salteño Gustavo Leguizamón); otros del sur con unas letras que decían que extrañaban Tucumán; la `Oración del Remanso´ (Jorge Fandermole) la escuchamos todas las noches. Material hay, pero a los chicos hay que acomodarlos", afirmó.

"Hay excepciones, claro, pero lo bueno sería que la excepción fuera el 90% y no al revés", sentenció.

Entre esas "excepciones", Moreno Palacios señaló al bandoneonista misionero Joaquín Benítez, de 17 años -ganador del Pre-Cosquín en el rubro solista instrumental-, quien expuso su pericia el domingo pasado en la segunda noche del Festival de Cosquín.

Moreno Palacios integró el jurado del Pre-Cosquín junto con otros reconocidos exponentes de la música popular como Hugo de la Vega, Mario Díaz y Hugo Casas.

Por otra parte, el cantor surero afirmó que no lo seduce la mayoría de los artistas jóvenes que tiene ganado un lugar en el circuito folclórico profesional.

"Que me digan que soy exigente, o que soy intolerable, pero es la realidad que veo. Menos mal que nos queda (Juan) Falú y (Carlos) Moscardini, que es la mejor guitarra surera que existe", especificó.

Moreno Palacios, que subirá el jueves durante doce minutos al escenario Atahualpa Yupanqui de la Plaza Próspero Molina, en la sexta noche del Festival, también observó con sentido crítico la dinámica que es natural en la programación central de Cosquín.

"Todo es muy para arriba, al mango, fuerte y `a ver esas palmas´. Pero tengo confianza en lograr ser escuchado", dijo.

"El público responde un poco a aquello que le piden. Si le piden palmas hace palmas, pero si le apuntás al hombre interior y te ponen el oído que necesitás, podés llegar hasta el alma", aseguró.

"El jueves en Cosquín habrá 10.000 personas en la plaza y no sé que va a suceder. Tengo confianza. Pero sé que si me los pasan de a 400 en un teatro habría una atención, sé que parecería una iglesia. El público sabe escuchar".


Tango argentino, Lukas y Solare


Entrevista con el pianista y compositor Juan María Solare diseñada por Amaranta Wright en ocasión de la designación de Juan Solare como finalista de los premios LUKAS (Latin UK Awards) en Gran Bretaña. Las preguntas fueron respondidas en enero 2013.


- Preséntese. Edad. De dónde viene? Cuál es su pasado cultural y familiar?

(Juan María Solare) Nací bajo el signo de Leo, el 11 de agosto de 1966 a las 23:40 en Buenos Aires, Argentina. En caso que alguien quiera hacer mi carta astral, ya tiene la suficiente información (y se llevará una buena sorpresa). Así que tengo 46 años de edad. Mi hermano también es músico (violista), mi hermana se ha dedicado a la danza (folklore argentino). Mi madre era filóloga e investigadora, profesora de Literatura Hispánica en la Universidad de Buenos Aires. Mi padre era un abogado (especializado en derecho laboral); me enseñó la amarga verdad de que la ley y la justicia son cosas diferentes. Ambos eran activos amantes de la música (principalmente clásica, porque el rock y el pop estaban prácticamente proscriptos en casa - y el jazz apenas tolerado). El tango era inevitable. Incluso si a uno no le gusta la música de tango, como en Argentina se lo escucha de forma permanente en la radio, se desarrolla como una segunda naturaleza. Suelo pensar que llevo el tango en mi sangre y la música experimental en mi ADN. O acaso al revés - es difícil de decir.

En cualquier caso, considero a mi persona, en tanto artista, como un ser bilingüe: la tensión de ser al mismo tiempo un compositor Y un pianista, tocar tango Y música clásica contemporánea, pertenecer a la cultura latinoamericana Y estar viviendo en Europa. Estas tensiones, este campo de fuerzas, generan inevitablemente un lenguaje musical muy singular.


- Cuál es su recuerdo más temprano?

Nada espectacular, pero la memoria es una facultad extraña. Uno recuerda a veces episodios sin importancia y filtra otros más importantes. Yo tenía posiblemente 4 ó 3 años de edad y era la víspera de año nuevo (en 1970). Recuerdo los petardos, y me veo a mí mismo parado cerca de la ventana del departamento donde vivíamos en ese momento, en la calle Billinghurst. Pero espere un minuto. No puede ser el primer recuerdo. Ahora me veo a mí mismo en aquel otro departamento de la calle Anchorena. También un segundo piso. Pero esto era antes. Y me lastimé. Una mesa de alguna manera me golpeó en el ojo. Un visitante estaba allí, Raúl Cortazar, una gran persona, folklorista. Y mi padre corrió conmigo al Hospital de Niños, a sólo un par de cientos de metros de allí. Me veo corriendo de espaldas. Cuando volvimos, el visitante seguía allí.


- ¿Cómo se inició en la actividad por la cual es finalista de este premio?

Cómo me inicié en la música en general: mi madre tocaba el piano, aunque no profesionalmente. Pero había un piano en casa (y sigue habiéndolo - un Lauberger & Gloss) y aprendí a tocar melodías cortas. Me sorprendían varias cosas. Una: cómo es que podía funcionar un piano sin enchufarse, sin electricidad. Y en segundo lugar, cómo podía ser que hubiera casas sin un piano. Esto quiere decir que, para mí, el piano era literalmente algo tan natural como la lengua materna.


- ¿Quién ha sido la figura más influyente en la configuración de su persona y su arte?

En los primeros pasos, y si tengo que mencionar una única persona, posiblemente mi madre, ya que ella era la responsable principal de nuestra educación (y mi padre lo era de alimentarnos - ese era el pacto). Pero, por supuesto, estoy siendo parcial y cometo una injusticia con posiblemente cientos de personas que influyeron en mí y en mi arte. Si pudiera mencionar una segunda o una tercera persona, estas serían María Teresa Criscuolo, mi profesora de piano durante mucho tiempo, y Horacio López de la Rosa, profesor de teoría, pero también retrospectivamente mi primer maestro de composición.


- ¿Qué había en esta actividad que usted se enamoró tanto de ella y que tanto le gusta realizar? Describa su pasión por lo que hace.


Tal vez se sorprenda usted, pero al tocar el piano, un aspecto muy importante es la percepción táctil, la sensación concreta de tocar el instrumento. A veces el resultado acústico concreto no es tan importante como estar en contacto con las teclas. Si le parece que este pensamiento es poco musical, tenga en cuenta que muchos músicos superan (o alivian) el miedo escénico tocando físicamente su instrumento - no produciendo sonido con él. Esta acción es similar a tocar, acariciar un caballo antes de cabalgar. Ya que hablamos de tocar: a veces, otros instrumentistas piensan que un pianista no tiene contacto directo con los elementos vibratorios que producen el sonido, así como los guitarristas están en contacto con las cuerdas. Pero para un pianista -o por lo menos para mí- la sensación de tocar en las teclas es exactamente igual que si las yemas estuvieran directamente en contacto con las cuerdas. Es difícil de explicar, ya que todas las palabras requieren una experiencia compartida.


- Describa una cosa que le guste de la escena donde se encuentra, y una cosa que no le guste.

Algo que me guste: sorprenderme cuando los colegas (los músicos en general, y no sólo pianistas y compositores) hacen algo que yo no me esperaba y que no me imaginaba antes. Así aprendo, se abren puertas mentales, me mantengo vivo y curioso. Otro punto se relaciona con el sentido de todo esto: ¿por qué, para qué hacer música? Recuerdo un episodio importante. Yo tendría unos veinte años y brindé un recital en el (ya inexistente) Auditorio Promúsica de Buenos Aires. Después del concierto, un hombre de unos cincuenta años se me acercó, visiblemente conmovido, y me dijo que mi música le había devuelto las ganas de vivir. A partir de este episodio, descubrí que mi función principal, como artista, es transmitir energía.

Algo que no me gusta: los aspectos "deportivos" de la profesión musical. La competencia, ganar, conseguir mejores posiciones. Promocionarse o "venderse" a uno mismo, la necesidad de coquetear con los organizadores, de convencer a los demás, cacarear los triunfos - y la propia noción de "triunfo" en las artes. Todo esto conduce a que uno se olvide de hacer arte o música, deforma el alma y hace creer que en esta profesión no se trata de hablarle al corazón de la gente, sino de conseguir un trabajo o llegar primero a la cima de lo más alto, conseguir presencia mediática por la fama misma y -si es posible- destruyendo a los contrincantes en el camino. Casi lo opuesto a lo que idealmente debería ser. Como dijo el compositor Béla Bartók, las competiciones son para los caballos, no para los artistas. La ironía es que, de hecho, es una parte de la profesión musical, y entonces debemos seguir haciéndolo. Así que tus colegas terminan considerándote un competidor potencial que debe ser derrotado, y no una persona con la que se puede producir belleza juntos. Es triste.


- ¿Cuáles fueron los obstáculos más difíciles que tuvo que superar para sobresalir en lo que usted hace y llegar a donde ha llegado en su actividad?

En una primera etapa, el obstáculo principal fue disciplinarme a mí mismo con el fin de aprender y desarrollar las técnicas necesarias, el know how. Más tarde: poner orden en los aspectos administrativos de la profesión tales como conseguir conciertos, construir una imagen o una marca como músico, mantenerme en contacto con los organizadores y con los ejecutantes, "venderme a mí mismo". Me doy cuenta, ahora que pregunta, de que ambas cosas tienen que ver con la disciplina.


- Describa un percance y un avance.

Un revés: fue durante un macro-recital en Tandil, una ciudad de Argentina donde dí clases de música durante ocho años (y donde todavía tengo a mis mejores amigos). En ese recital tenía que tocar diez minutos. Toqué dos preludios de Karol Szymanowski. Pero había dormido sólo un par de horas y dado clases durante todo el día. Fue el peor recital de toda mi vida, ese tipo de cosas que uno querría borrar de la memoria cósmica. Moraleja: si tenés que tocar mañana, dormí bien esta noche.

Un avance: Esta vez fue en Göttingen, una simpática ciudad de Alemania, donde di mi primer recital en Europa (en 1993). Yo estaba estudiando alemán en el Instituto Goethe, donde tuvo lugar el recital. Dos semanas después de este recital yo tenía que mudarme a Colonia y aún no tenía un lugar donde ir a vivir - en un país extranjero donde no conocía a nadie y con un limitado conocimiento del idioma local. Puedo asegurarle que así superé el miedo escénico de una vez para siempre: ante el peligro real de no tener dónde dormir, tocar un concierto no es un peligro. Esta experiencia fue crucial para mí, pero sería cruel sugerir a otros que pasen por lo mismo.


- ¿Cómo encuentra usted el público del Reino Unido en comparación con otros? ¿Qué le parece la sociedad británica y su actitud hacia usted y lo que usted hace?

Sólo puedo hablar de los públicos que encontré en Londres, no en Reino Unido en general. Entre nosotros: estoy gratamente sorprendido porque el público reacciona muy calurosamente y de manera mucho más espontánea que, por ejemplo, en Alemania. También debo decir que mi público tiende a ser heterogéneo (lo cual hallo positivo). Me siento muy a gusto con esta diversidad, ya que me da la sensación de que realmente se puede hablar -musicalmente- a personas muy diferentes, pero a cada una en su propio idioma. Por último, pero no menos importante: en mis recitales me encanta hablar con los asistentes. Y yo soy una persona amena, irónica e incluso sarcástica, si es necesario. Bueno, los públicos británicos que encontré entienden este ingenio y esta ironía sin mayores problemas. Llámenlo cliché - pero funciona y me encanta.


- ¿Qué lo ha mantenido en la ruta?

La creencia incuestionable en que puedo ofrecer calidad de vida a través de la música. La creencia de que mi propia vida y las vidas de otras personas mejoran a través de mi actividad. Ser músico significa que ayudo a la gente a sonreír y les permito llorar. Como músico, alivio el dolor de las almas (casi siempre). Fortalezco la creencia de la gente en la vida. Mejoro la comprensión que las personas tienen de otras almas, de otras culturas, de otros sonidos. Produzco la armonización de fuerzas antagónicas. Ejemplifico el compromiso con una vocación inestable. Incremento en la gente la capacidad de interrelacionar cosas, y por lo tanto -esperemos- su inteligencia. Mantengo alerta la atención de la gente. Le muestro a la gente que el vigor y suavidad no son irreconciliables.


- ¿Qué lo hace feliz? ¿Qué lo hace infeliz (en el contexto de lo que usted hace)?

Feliz: estar en el escenario y percibir que las personas están realmente disfrutando, que prefieren estar allí más que en cualquier otro lugar. Saber que una persona ha tenido una "experiencia-ahá" al escuchar mi música.

Infeliz: tener la convicción de que a la gente no le importa un comino mi música y que incluso le molesta (por ejemplo, al tocar música de fondo). Anécdota (Misselwarden, 29 de abril de 2006): "¿Pudieron realmente escucharme tocar? Había tanto ruido…" Respuesta: "Sí, se lo podía oir muy bien, casi había que gritar para poder seguir conversando." Otra vez: tocar un vals y que me pregunten, inmediatamente después, por qué no toco un vals (sí, realmente me ocurrió). O tener que escuchar, justo después de un concierto, la crítica no solicitada de algún miembro del público con formación musical mínima. Es como si yo fuera un cocinero profesional y ellos escupieran en la comida que les había preparado.


- La persona viva que usted más admira y por qué.

Es raro, tendría que pensar realmente en ello. Se lo diré el próximo año. Acaso las personas que más admiro están todas muertas.


- Si pudiera volver atrás en el tiempo, ¿a dónde iría?

Deje esto para el próximo año.


- ¿Qué canción querría tener en su funeral?

Varias de mis propias composiciones deben ser tocadas en mi funeral, como Nómade o Trenodia. Pero no sólo música triste. También música tranquila pero optimista (como Licha). Y también música enérgica y profunda (no superficial) como mis obras Barro sublevado o Dimensión. No quiero que mi funeral sea triste, me gustaría que la gente volviera a su casa con la sensación de estar cargada de energía.


- Cuéntenos un secreto.

Suelo tocar, desde hace algunos años, con un muñeco en el bolsillo, o incluso arriba del piano. Es una serpiente pequeña, de unos 25 cm. de largo. La primera se llamaba Víctor, me acompañó incluso hasta Finlandia - pero se perdió en un viaje por Argentina. Ahora Orlando ha tomado su lugar. Aunque, por supuesto, nada puede sustituir a Víctor. Pero Orlando está haciendo bien su trabajo: ya estuvo conmigo en Estambul, en Alemania, y por supuesto en Londres. Cuando el concierto ha sido particularmente bueno, me doy cuenta de que Orlando está contento.


- ¿Qué le gustaría hacer a partir de ahora? ¿Qué le gustaría lograr? ¿Cómo y dónde ve usted su futuro?

Hay dos aspectos: la producción y la comercialización. Producción: quiero escribir más música para orquesta (concretamente estoy planeando un concierto para violín) y más música de películas (hasta ahora, he hecho música para sólo seis cortometrajes). Marketing: Mi primer deseo es que mis obras se ejecuten -por mí mismo y por otros músicos, incluyendo orquestas- diariamente, constantemente, en algún lugar del mundo. Mi deseo es que las profesiones artísticas sean reconocidas como algo decente - también en lo financiero. Mi deseo es vivir 300 vidas en paralelo, con el fin de lograr todo lo que me interesa: componer, leer las ideas de otras personas (algunos lo llaman "libros"), escribir mis propias ideas. Este es un deseo, pero ¿la conciencia del límite?

www.JuanMariaSolare.com

Una versión reducida de esta entrevista fue publicada, en inglés, en
http://www.latinolife.co.uk/music/tango/juan-maria-solare




http://www.youtube.com/watch?v=ecZ41otA8kI
LICHA (Juan Maria Solare) performed by Juan Maria Solare

http://www.youtube.com/watch?v=7B9ysDXGfXE
Nacimiento (by Juan Maria Solare), performed by the Ensemble Tangente, Bremen 3 JUNE 2010

http://youtu.be/LE6GBUfJJck
Temperamentos (nr 4 = Sanguineo) * by Juan Maria Solare.
Performed by the Duo 66: Ibrahim Gunbardhi (clarinet) + Juan Maria Solare (piano). Universität Bremen (Germany), 31 May 2011


http://www.youtube.com/watch?v=r-UswQl3Nto
Lo que se fue (Jorge Pitari) performed by the Duo Tangente, Finland 2011


http://www.youtube.com/watch?v=O5uKKVadHZo
Furor (Juan Maria Solare) by the Duo Tangente, Finland 2011


Mix de Beyond Tango 2010
http://youtu.be/EmzrN9qvuFQ

Pasajera Eterna (Juan Maria Solare)
http://youtu.be/KBeZFFrVE8g

Dimensión (Ensemble Tangente)
http://www.youtube.com/watch?v=Sd8_vj3BNak


Barro sublevado, by Juan Maria Solare, performed by the Cafe Tango Orchestra (in Stuttgart, Germany, on 24th September 2011).
http://youtu.be/P5Z-IH42oK8









domingo, 27 de enero de 2013

Juan María Solare, finalista en los premios LUKAS




Tomado de http://www.diariodecultura.com.ar/web/news!get.action?news.id=14608

El pianista argentino ha sido nominado en la más reciente edición de los premios AirEuropa LUKAS (Latin UK Awards, galardón que reconoce la contribución cultural del millón de iberoamericanos (latinoamericanos, españoles y portugueses) residentes en el Reino Unido.

Desde los suburbios hasta las avenidas principales, cientos de miles de votos han sido enviados por ingleses y latinos en apoyo a los artistas, fiestas, restaurantes y demás personas e instituciones relacionadas con la difusión y apoyo a la cultura Latina en el Reino Unido.

Los premios AirEuropa LUKAS (Latin UK Awards) – se convirtieron en un fenómeno viral que movió a más de 300,000 votantes en dos meses - éste es, al decir de Amaranta Wright, una de sus organizadoras, un evento que celebra la diversidad de la cultura latina y fomenta su entendimiento. Asimismo, agregó Wright, estos premios responden al impresionante crecimiento que la comunidad latina ha experimentado en el reino Unido en los últimos años.

En su segunda edición, los AirEuropa LUKAS (Latin UK Awards) han atraído el apoyo de importantes artistas internacionales, entre ellos el cantante colombiano Juanes quien deseó “Buena suerte a todos los nominados en los LUKAS 2012. Los Lukas Awards están haciendo una gran labor celebrando y recompensando nuestro talento y demostrando la riqueza de nuestras culturas en el Reino Unido y Europa”.

Por su parte el cantante español David Bisbal dijo: “Los premios LUKAS son una excelente iniciativa. En los Estados Unidos la popularidad y calidad de lamúsica latinoamericana y española ha sido reconocida por mucho tiempo, y con la gran cantidad de Latinos en Europa además de la popularidad de nuestras culturas es natural que tengamos nuestros propios premios en este lado del Atlántico. Estoy seguro que los LUKAS seconvertirán en un gran éxito”

Los AirEuropa LUKAS (Latin UK Awards) han atraído muchísima atención del público en general debido a que están basados en la popularidad de los participantes, cuya votación es online. En su primer mes, más de cien mil votos han sido emitidos gracias a las campañas que los propios nominados han generado. Muchos de los artistas nominados en las diferentes categorías están haciendo campaña tanto en Gran Bretaña como en sus países de origen.

Juan María Solare ha sido nominado (y es finalista) en el renglón de ‘artista internacional’, por su recital de piano “Olympic Tango” brindado en el Bolívar Hall (Londres) del 25 de julio de 2012.

Juan Maria Solare es uno de los pianistas de tango que abren senderos apenas hollados. La originalidad de su música procede de la confluencia entre la música del tango post-piazzolliano y la música clásica de vanguardia post-Stockhausen.

Su singular estilo representa una síntesis de Norte y Sur, clásico y popular, humor y melancolía, interpretación y composición.

Ha tocado recitales de piano en Buenos Aires y una larga docena de ciudades argentinas, más Berlín, Estambul, Finlandia, Dinamarca, Amsterdam, Madrid, Sevilla, Londres...

El público de sus conciertos resulta fascinado por su calidez y su calidad.

www.JuanMariaSolare.com

Solare, por Lea Dietrich

miércoles, 23 de enero de 2013

El Pichi (payaso en Santa Fe y Riobamba)


Hace como tres años que veo a El Pichi en la esquina de Río Bamba y Santa Fe, cuando paso a buscar a mi esposa a la salida.

De él dice una bloguista:
“No está todos los días, aparece de día, disfrazado de payaso, con un artefacto raro que no se sabe si es carrito o bicicleta, pasa música, hace unos bailecitos y tiene muchos cartelitos anunciando que el es “El Pichi”. Al igual que el otro personaje me intriga pero siempre me saca una sonrisa. Es como que está ahí para que la gente lo mire y salga del ensimismamiento que lleva cuando va caminado a dos mil hora por avenida Santa Fe. No está todos los días pero lo veo seguido. El Pichi me alegra el día.”

El tipo me intriga. Creo que hay método en su locura. Porque quizá normal no es (lo que a veces conviene). Ahora bien, se empilcha con esmero y renueva su vestuario y sus adminículos. Invierte guita.
Yo lo miro con curiosidad y El Chipi se dio cuenta. El otro día me dice: “Usted se parece a Horacio Malvicino. ¿Lo conoce?” Yo, mintiendo, le digo que sí. Entonces El Pichi me cuenta tuvo trato artístico con Horacio Malvicino lo llevó a tal lugar. Yo le pregunto si está en Youtube y él me dice que sí. Me costó encontrarlo.

Mucha gente habla con él y se saca o no fotos. Ese día lo vi charlando con un payaso joven que había detenido su moto para charlar con él. El payaso tenía la pelotita en la nariz dentro del casco.

jueves, 17 de enero de 2013

Rod Stewart – Pat Benatar – Enrique Delfino



10 de enero - año 1945 – Nace el cantante ingles de rock y pop Roderick David “Rod” Stewart (de origen escocés). Está considerado uno de los artistas de mas ventas, sumando mas de 150 millones de discos. Está cerca de llegar a los 50 años de actividad ininterrumpida, y para su edad se encuentra bastante ágil y vital.

10 de enero - año 1953 – Nace en Nueva Yok la cantante de rock americana Pat Benatar (Patricia Mae Andrzejewski) como se puede advertir, de ascendencia polaca. Fue muy popular en la década del ’80, consiguiendo numerosos exitos de taquilla.



10 de enero - año 1967 – Fallece el pianista y compositor argentino Enrique Delfino, nacido el 15 de noviembre de 1925. En sus inicios trabajaba en los cabarets, como fantasista del piano y comediante. Eran epocas de bohemia y vida nocturna. Despues ganó su música. Seguramente fue el creador del “tango cancion” y el “tango romantico” alla por 1920, cuando no era común escuchar melodia. De sus casi 200 obras, me ha parecido lógico descartar las mas conocidas, presentando solamente las que no han sido muy difundidas. (Héctor Mario Lobato)

Azucena Maizani - Les Baxter - Victoria de los Ángeles


15 de enero - año 1970 – Fallece la cancionista y compositora argentina Azucena Maizani, que habia nacido el 17 de noviembre de 1902. En su juventud cantaba como aficionada mientras trabajaba de costurerita. Una amiga la llevó a su fiesta de cumpleaños y alli la descubrió Enrique Delfino, quien la presenta al director de un teatro y arreglan una entrevista. Cuando la oyen entonar una canción, de entrada nomás la pusieron en el elenco que estrenaría el sainete “A mi no me hablen de penas” de Alberto Vaccarezza. El escritor decide escribir una letra para que Delfino le pusiera música y para que cantara ella en la obra. Y asi nació “Padre nuestro” que fue su caballito de batalla durante años. Empiezan el teatro de revistas, la radio y los discos. Pero su vida privada no era un lecho de rosas. Su primer matrimonio se disolvió al morir su pequeño hijo a fines de los años ’20. Al poco tiempo llega desde Montevideo Roberto Zerrillo, que no admitía a la mujer cantando tangos. Algo pasó, al punto que formaron pareja y viajan en gira a Europa por varios años. Al regreso ya estaba sola nuevamente.
Luego llegó a su vida un joven que se presentaba como el abogado Colombres, de la alta sociedad porteña, y que un buen dia se pegó un tiro. Azucena la pasó muy mal, porque se le vinieron encima acusándola de destructora de hogares y que estaba con el tipo para meterse en la sociedad. Por ultimo se supo que el tipo no era abogado sino un cantor mediocre, no se llamaba Colombres sino Caffaro, no era de la sociedad sino un seco que lo habia nombrado su representante para ayudarlo y que la habia estafado, y ademas se habia separado de su mujer hacia tres años. De ahí en mas sus actuaciones son esporádicas, graba unos pocos discos, pero ya todo habia terminado. Como aun tengo en preparación su Discoteca, presento una selección cronológica de algunos temas.

15 de enero - año 1996 – Fallece el director y compositor americano Les Baxter, nacido el 14 de marzo de 1922. Dejó su carrera de concertista de piano para volcarse a la música popular, al frente de un grupo de jazz. En 1950 comienza como director y arreglador para la Columbia, acompañando a Nat Cole en sus primeros exitos como cantante por 1950. Simultáneamente graba con su gran orquesta numeroso material, del cual he seleccionado un compilado de dos curiosos discos del periodo 1956/57, en los cuales nos propone un paseo imaginario por lugares exóticos, evocativos o rodeados de misterio, merced a una música descriptiva muy interesante.

15 de enero - año 2005 – Fallece la soprano española Victoria de los Angeles, nacida el 1 de noviembre de 1923 en Barcelona. Debutó en la ópera en 1945 y siete años mas tarde ya habia cantado en los principales teatros del mundo. A finales de los ’60 ya se dedicaba casi totalmente a los recitales. Está entre las mas grandes artistas del género operístico. Tambien tuvo una vida personal con muchos problemas, que supo afrontar con entereza y se reflejaba en el dramatismo de su voz. Lamentablemente, en estos tiempos que vivimos la lírica ha pasado al olvido, y si decimos ‘Victoria de Los Angeles’, algun desubicado creerá que estamos hablando de un triunfo en basket de Los Angeles Lakers contra el San Antonio Spurs.


(Héctor Mario Lobato)

Juan D'Arienzo - Noro Morales - Jeanette MacDonald - Sabina Olmos


14 de enero - Año 1976 – Fallece el violinista, director y compositor argentino Juan D’Arienzo, quien habia nacido el 14 de diciembre de 1900 en el barrio de Monserrat, y que paradójicamente empezó tocando jazz por los años ’20. Su obra es bien conocida, por lo cual nos vamos a dedicar a sus trabajos como compositor. Del listado de SADAIC he extraido una selección en la que varios temas están interpretados por su propia orquesta (no encontré otras versiones) y otros no.

14 de enero - Año 1964 – Fallece el pianista, compositor y director portorriqueño Noro Morales, nacido el 4 de enero de 1911. Especialista en música tropical, especialmente cubana, fue muy reconocido en los años ’40 y ’50 como una de las bandas ideales para bailar, al igual que Xavier Cugat. Su carrera se cimentó actuando fuera de su pais, principalmente en Nueva York y en Venezuela. Lamentablemente murió joven, tal vez debido a su obesidad y diabetes. Tal vez por la botella de ron que dicen se tomaba por dia.

14 de enero - Año 1965 – Fallece la cantante y actriz americana Jeanette MacDonald, que habia nacido el 18 de junio de 1903. Fue muy popular por sus actuaciones en filmes musicales de los años 1930 y 40, y está considerada una de las mejores sopranos del siglo XX. No vamos a hablar de su vida sentimental porque ha sido muy conflictiva. Mejor la escuchamos…

14 de enero - Año 1999 – Fallece la cancionista y actriz Sabina Olmos, nacida el 3 de febrero de 1913 en el barrio de Balvanera como Rosa Herminia Gómez. A principios de los años ’30 comienzan sus presentaciones cantando por radio, pero al poco tiempo ingresa al cine, donde participó activamente por mas de 10 años actuando en cerca de 25 filmes. Uno de ellos fue “Carnaval de antaño” donde comienza su relación con Charlo, con quien se casa en 1952. Pero todo termina en 1969 con una separación que la dejó destruida espiritualmente. Fue una mas de las mujeres de tango con amores contrariados, como Tita Merello, Beba Bidart y Ada Falcón por nombrar algunas. Las dos primeras, de carácter fuerte, se la bancaron y le dieron para adelante lo mejor que pudieron. La otra largó todo y se internó en un convento. Ella parecería la mas débil, ya que nunca aceptó su destino, y estuvo mas de 20 años buscando algun trabajo sin resultado. Victima de la aguda depresión que venia arrastrando desde que supo de la muerte de Charlo en 1990, decidió poner fin a sus dias arrojandose desde el noveno piso de su departamentito en Lugano, pobre y olvidada. C’est la vie… (Textos de Héctor Mario Lobato)

Juan José Paz


17 de enero -Año 1970 – Fallece en Mar del Plata el pianista, director y compositor argentino Juan Jose Paz, nacido el 7 de septiembre de 1921 como Juan Jose Abbondanza. Sus méritos como instrumentista le valieron ser elegido para integrar conjuntos muy renombrados. Su periodo mas brillante puede decirse que se inició en 1945 como pianista de Francini-Pontier, y al disolverse el binomio seguir con Enrique Francini. No pudo o no quiso tener conjunto propio, salvo para acompañar a algun cantante solista. Por tal motivo nos hemos dedicado a recopilar parte de su obra autoral, que no es mucha. (Héctor Mario Lobato)

martes, 15 de enero de 2013

"Tango monologues", CD de Juan María Solare


Pocas veces puede verse un CD tan generoso como "Tango Monologues" (Monólogos Tangueros) de Juan María Solare, pianista y compositor argentino residente en Bremen (Alemania).
Son 20 títulos que llenan prácticamente toda la capacidad técnicamente disponible en los CDs actuales: dura 79:22. Es también generoso su librillo adjunto, de 28 páginas, con textos en tres idiomas (castellano, inglés y alemán) que describen cada una de las obras.

Comienza este recital virtual con tres tangos tradicionales (Danzarín, de Julián Plaza; Malena, de Demare; y Bahía Blanca, de Di Sarli), como si el pianista dijera "antes que nada, les voy a demostrar que sé tocar el piano". El siguiente bloque presenta los tangos más "entradores" de Juan María Solare: Pasaje Seaver, Valsarín, Tengo un tango, Para Lisa (un vals).

El siguiente intermezzo es más breve: el clásico Bandoneón arrabalero, de Bachicha, y un enérgico tango de Jorge Pítari titulado Lo que se fue, en clara alusión a Lo que vendrá, de Piazzolla.

Con obras propias, Solare muestra las garras con sus obras más experimentales: Milonga Fría, una bella milonga lenta con inserciones de música electroacústica. Sigue Atonalgotán, que como el nombre indica sigue las huellas de Arnold Schönberg, el inventor de la dodecafonía y el atonalismo. Viene luego Fragmentango, que es un montaje que simula cuatro pianos tocando simultáneamente distintos fragmentos inequívocamente tangueros; y por fin la Akemilonga, una breve y simpática milonguita -un poco rara pero agradable- que relaja un clima que amenazaba nublarse.

En sus notas de programa, el compositor se refiere a este género musical como tango deconstruido, en el sentido del posmoderno Jacques Derrida: un género musical que aparentemente ha inventado Solare (al menos, no conozco otro tanguero que lo cultive). Solare lo define así: "Fragmentos que huelen a tango, pero que no son un tango tradicional (...) Sílabas tangueras pulverizadas que se recombinan para producir nuevas palabras y conceptos".

Salimos del bloque experimental con Niebla del Riachuelo, de Cobián, uno de los temas más logrados de todo el disco. Aquí se ve la formación clásica de Solare: su arreglo comienza citando el Requiem de Mozart para luego transformarse en el tango. ¿Y acaso no es esta obra maestra de la música ciudadana una especie de Requiem? "Barcos que en el muelle para siempre han de quedar..."

Sigue un par de temas tradicionales polentosos: La Puñalada, de Horacio Pintín Castellanos y Calambre, de Piazzolla. Si alguien se cansó después de la anterior biaba expresiva, aquí descansa sin problemas.

El bloque final es una síntesis de la polenta y de lo experimental, aunque con obras nada difíciles de digerir. Son todas de Solare: la Liebergmilonga, Talismán (¡un tango que parece de Bach!), el furibundo Furor (aquí el que se asoma es Béla Bartók cruzado con Oscar Peterson, mientras Chick Corea les sirve un mate).

El último tema -una despedida dolce- es Reencuentro, una milonga lenta de melodía sumamente recordable, una obra maestra de la sencillez. Es un poco el Adiós Nonino de Solare: según el librillo del CD, fue compuesta en el cementerio de San Lorenzo de El Escorial, Comunidad de Madrid, España, donde descansa la madre del pianista.

viernes, 11 de enero de 2013

El humorista Landrú, por Carlos G. Groppa


Landrú, el perspicaz dibujante que radiografió la vida, costumbres y usos idiomáticos de los argentinos desde la década de 1950, gusta del tango, la milonga y la música tropical, como lo muestra muchas de sus historietas.

Sus primeros dibujos humorísticos aparecieron en 1945 en la revista Don Fulgencio de Lino Palacio y al año siguiente en Cascabeles sus primeros dibujos políticos.

Por ese entonces Landrú ilustraba en la revista Vea y Lea la sección "Puntos de Vista" escrita por el humorista uruguayo Wimpi. Un día, al pedir éste licencia para irse de viaje, le encomendaron a Landrú que, además de dibujarla, la escribiera. Cuando Wimpi retornó, le gustó tanto su trabajo que le dijo: "La haces mejor que yo". Y se la dejó.

De allí, Landrú pasó a dibujar la página “¡Oh, la femme!...” con chistes sobre las "señoras gordas". “No gordas porque lo fueran -aclara Landrú-, sino por apoltronadas y desubicadas. Esas que pueden confundir a Miguel Angel con Luis Miguel, y que viven diciendo pavadas”.

Habiendo firmado sus chistes como J.C. Colombres -su verdadero nombre es Juan Carlos Colombres-, luego eliminó su apellido y dejó solamente J.C., hasta que en una época en que usaba barba, adoptó el seudónimo de Landrú cuando su colega Faruk -hijo de Lino Palacio- le dijo que se parecía al famoso asesino francés de ese nombre, guillotinado en Francia el 19 de enero de 1923, justo el día que nació Colombres.

Antes de que el humor fuese su medio de vida. Landrú estudió arquitectura y trabajó en una repartición de aeronáutica. Después lo hizo en los Tribunales lidiando con asesinos y ladrones, investigando sumarios, tomando declaraciones, etc..

Profundo observador de los lenguajes que se hallan dentro del lenguaje habitual, como el de los abogados, de los médicos, e incluso el lunfardo, le valió que lo quisieran incorporar a la Academia Porteña del Lunfardo, distinción que no aceptó porque había que asistir a las reuniones los sábados por la tarde. Y Landrú, en ese entonces, trabajaba duro los fines de semana ya que los lunes entregaba sus chistes a la revista Gente y al diario Clarín, publicaciones en las que realizaba una sección de cocina, "Landrú a la pimienta", y otra de turismo, "Landrú Travel".

En 1955, entre las buenas revistas de humor argentinas, se destacaba Rico Tipo, en la que Landrú colaboraba, por lo que le propuso a Divito, su dueño y editor, sacar un suplemento político. Pero como a Divi-to no le interesaba la política, no se adhirió al proyecto. Al poco tiempo, al conocer gente interesada en editar una revista de humor político, pudo concretar su idea.

Así, en 1957 fundó “Tía Vicenta”, que sería su más notable aporte al humor argentino. Esta publicación, además de estar cargada de desenfadado humor político, satirizaba las costumbres y usos idiomáticos de la sociedad argentina, convirtió a Landrú en el humorista del momento.

El nombre “Tía Vicenta" se lo inspiró su tía Cora, a la que le gustaba la política, pero al no entenderla, sus delirantes comentarios sobre la misma le hacían mucha gracia a Landrú.

La primera tirada -50.000 ejemplares-, se agotó ni bien salió, lo mismo que las ediciones subsiguientes, por lo que el tiraje fue subiendo constantemente, hasta que, al convertirse en suplemento del diario El Mundo, llegó a la cifra tope de 450.000 ejemplares semanales.

Tía Vicenta fue una revista cambiante, siempre actualizada. El día que aumentó las páginas se llamó “Tía Vicenta Engordó”, y cuando salió en colores, “Tía Vicenta se Pinta”. Landrú usó este recurso del cambio de título para sorprender al lector. Así, en 1962 una edición dedicada a los travestis se llamó “Tío Vicente”. En ella su célebre personaje del Señor Porcel pasó a ser “Señora” Porcel, y su seudónimo de Landrú se transformó en Landrunelle. En 1963, cuando se rumoreó uno de los tantos regresos de Perón al país, la revista salió con el nombre de “Tía Vicenta en el Exilio”, agregándosele una banda en la que se leía: “Edición clandestina”. Otras veces, Tía Vicenta imitó el formato de publicaciones establecidas, como cuando salió como “Tía Vicenta del Reader's Digest”.

Tía Vicenta fue la revista de humor más importante que tuvo el país, tanto por el talento de sus contribuyentes como por su repercusión internacional. Por su redacción pasaron, entre dibujantes, humoristas y escritores no ligados al humor: Oski, César Bruto, Alberto Breccia, Blanca Cotta, Faruk, Blotta, Siulnas, Jaime Potenze, Conrado Nalé Roxlo, Gerardo Sofovich, Dalmiro Saenz, María Elena Walsh, etc.. Otros, luego famosos, Quino, Miguel Brascó, Fontanarrosa, Caloi, Hermenegildo Sábat, Bróccoli y una larga lista se iniciaron en ella.

"La única restricción que existía en Tía Vicenta -nos confesó Landrú- era no insultar. En ella creamos un ámbito basado en la espontaneidad, el disparate y la falta de solemnidad, ya se tratase de la política o de hábitos sociales. Había una redacción abierta a todos... Hasta Frondizi envió un texto, que firmó Domingo Faustino Cangallo, que si bien él siempre negó, su secretario lo confirmó”.

Además de los dibujos y los chistes realizados con fotos retocadas que se publicaban, estaban los exitosos campeonatos -como el tan popular de los “mersas” (plebeyo, de baja condición)-, las falsas biografías y los premios de cientos de miles de pesos, como aquel ofrecido a quien lograra resolver absurdos crucigramas.

Editada en forma independiente o como suplemento dominical de El Mundo, Tía Vicenta salió desde el 20 de agosto de 1957 hasta el 17 de julio de 1966, sin contar la fugaz aparición durante el dictatorial mandato del General Jorge R. Videla, la época más represora en toda la historia argentina.

Su humor burlón, delirante, absurdo y por momentos ingenuo y tierno, que provocaba sonrisas irónicas entre las clases políticas dirigentes, nunca fue bien visto y menos tolerado por las cerradas dictaduras militares que asolaban al país.

En 1966 el General Juan C. Onganía -dictador de turno que usaba un ostensible bigote para ocultar una cicatriz hecha en el labio superior con un taco de polo-, amenazó con clausurar Tía Vicenta a raíz de aparecer él en la portada dibujado con un bigote de morsa. Mucha sutileza para un dictador sin cerebro. Por lo que, ante la amenaza, la dirección de la Editorial Haynes -editora del diario El Mundo y Tía Vicenta- citó a Landrú para informarle del grave problema que enfrentaban: Onganía tenía intenciones de cerrar la revista y el ministro del Interior, Martínez Paz, quería tener una reunión previa con Landrú. Acompañado por la plana mayor de la Editorial, Landrú fue a ver al ministro, quien inició la reunión diciendo: "Al Presidente no le gusta Tía Vicenta". "¡Ah! -respondió Landrú-, yo creía que el problema era más grave. Si al Presidente no le gusta, que no la compre".

En pocas palabras, Onganía clausuró Tía Vicenta, matando así la década de oro de humor político argentino.

Gran observador del comportamiento humano, Landrú se inspiró en la vida real para delinear sus personajes. María Belén, Alejandra, Chonchón, María Pía, Cateura y otros, eran seres vivos transportados al papel. Por ejemplo, nos explicó Landrú en nuestra entrevista telefónica, "El señor Porcel era mi padre, gran discutidor. Una vez sacó un crédito para comprar un traje en Casa Muñoz, y cuando el vendedor le pidió que firmara el formulario, mi padre le exigió que firmara él también. Como el empleado se negó, le dio un trompazo y se fue indignado, despotricando contra ese negocio en el que no había seriedad".

En 1962, The New York Times le dedicó un artículo encabezado "Una revista argentina se ríe de la crisis política", en el que se recalcaba que “Tía Vicenta usa su libertad hasta el máximo. Sus embestidas más profundas son para los militares. Al informar sobre el fabuloso ataque a la Casa de Gobierno, la revista dijo que las tropas habían sido valientemente conducidas por su general..., desde la retaguardia".

El reconocimiento internacional a Landrú culminó en 1968 cuando en los EE.UU. le otorgaron el premio Moores-Cabot.

Espíritu inquieto, en la década de 1950, Landrú fundó, con el músico Santos Lipesker, Los Tururú Sereneiders, un grupo humoristico-musical en el que los músicos aparecían vestidos de ancianos, con galera, babero y largas barbas blancas, a raíz de haber creado el personaje de un viejito reblandecido: Jacinto Doblebé, el Reblán.

Cave mencionar que entre los músicos de Los Tururú estaba Juan Caldarella –el autor del tango Canaro en París–, que tocaba el serrucho con un arco de violín.

Para esta agrupación Landrú escribió la letra de más de diez temas con música de Lipesker. La muña muña, Fuerte de caderas o ¡Trácate!, fueron temas de gran éxito, al extremo de que un año, en SADAIC (Sociedad de Autores) Landrú fue el tercero en cobrar más regalías. Primero estuvo Canaro, seguido de Palito Ortega.

La televisión, que recurrió a su humor para escribir los libretos no sólo de Tato Bores y Dringue Farías, sino que en 1969 puso en el aire por Canal 11 el ciclo “Lo que el viento se Landrú”, un micro comercial de tres minutos con muñecos animados representando a sus célebres personajes, realizado en asociación con quien esto escribe.

Tanguero al fin, Landrú muchas veces hizo desfilar por los cuadros de sus historietas de Tía Vicente sus chistes sobre los personajes del tango y por Rico Tipo sus páginas dedicadas a los milongueros, malevos y los muchachos del 900.

Landrú, dibujante refinado y culto, se encuentra entre los humoristas que calaron más hondo y supieron ironizar sutilmente los defectos del argentino●

Tangos en inglés, por Carlos G. Groppa


(tomado de Tango Reporter)
Un factor importante que contribuyó a la expansión del tango en los Estados Unidos fue el creciente porcentaje de tangos auténticos editados en el país a mediados de la década de 1920. Baste como ejemplo La cumparsita. Después de haber sido editado sin letra en Milán, la misma versión fue editada en los EE.UU. en 1926. Luego, en la década de 1930, con letra en inglés escrita por Carol Raven, fue reeditado varias veces, incluso como rumba.

Mostrando un fuerte poder de permanencia a través del tiempo, La cumparsita surgió al éxito en los EE.UU. en varias oportunidades grabada por músicos de jazz. Aunque sin visos de querer darle autenticidad, estos respetaron su ritmo de tango. La más notable de estas versiones fue la lograda en 1941 por Stan Kenton. Considerado como uno de los músicos de jazz más revolucionarios –equivalente en jazz a Piazzolla en tango, quien a su vez lo admiraba–, fue también uno de los que más se dejó influenciar por los ritmos sudamericanos y caribeños. Tan es así que para su debut en el mundo del disco eligió, entre otros temas El choclo de Angel Villoldo, al que le seguiría un año después, La cumparsita. Ambos temas, arreglados por Joe Rizzo, un músico de origen italiano radicado en Los Angeles que no tenía nada que ver con el tango, se convirtieron en platos fuertes de la orquesta. Habiendo realizado los arreglos sólo a pedido de Kenton, que andaba en busca de ingresar temas latinos a su repertorio, con el tiempo Rizzo los reflotaría, aunque modificados, para la orquesta de Lawrence Welk. A estas grabaciones, una década después, en 1951, le seguiría la composición Artistry in Tango, del propio Kenton.

Tangos cantados en Inglés

Hubo un momento en los EE.UU. durante la década de 1950, en que los tangos con letra en inglés comenzaron a tener cierta popularidad y potencial como para convertirse en éxitos. Así, al menos, lo probaron un grupo de cantantes norteamericanos reciclando viejos tangos con modernos arreglos.

Probablemente el tango más popular de todos fue Adiós muchachos. Habiéndose dado a conocer en los EE.UU. en 1932, quedó como uno de los tangos más recurrentes en el gusto del público norteamericano. Este inmortal tango de Julio César Sanders y César F. Vedani, décadas más tarde volvería al tapete con el título de I Get Ideas y letra en inglés de Dorcas Cochran. Convertido en gran suceso por el cantante Tony Martin, con su abaritonada voz logró colocarlo en septiembre de 1951, entre los primeros puestos de la afamada lista de éxitos "Top Ten Hits". Desde ese momento y durante varias semanas, le dieron batalla por la supremacía las grabaciones que realizaron subsiguientemente Peggy Lee con la orquesta de Billy May, y Louis Armstrong con su propia agrupación. Meses después, el mismo Armstrong lo volvería a grabar con Bing Crosby.

Este tango alcanzó tal popularidad que en 1964 Crosby lo grabó nuevamente para su álbum "That Travelin' Two-Beat", en esta oportunidad cantando a dúo con Rosemary Clooney, y respaldado por la orquesta de Billy May. Además, la versión de Crosby solista fue incluída en los LPs "Bing Crosby's Good Times Favorite" y "Bing Sings Again".

A este nuevo auge del tango en los EE.UU., comenzando 1951 le dio un empuje la aparición de Blue Tango. Escrito por el compositor norteamericano Leroy Anderson, la grabación hecha con su orquesta sobrepasó la venta del millón de copias. Además, su versión se colocó en el mes de mayo al tope de todas las listas de popularidad. Su pegadiza melodía y su casi valseado ritmo hizo gran impacto en las pistas de baile. Con el tiempo, y sin ser un tango auténtico, quedó como un tango reiterativo en el repertorio de muchas orquestas de baile internacionales.

Al año siguiente, la cantante Georgia Gibbs mantuvo durante siete semanas en el primer puesto del "Hit Parade" Kiss of Fire, que no es otro que El choclo. Escrito en 1903 por Angel Villoldo, y con letra de Marambio Catán , ésta fue readaptada por Enrique Santos Discépolo en 1947. En la versión en inglés, tanto en la partitura impresa como en la etiqueta de los discos se suprimió el nombre de sus autores originales. En su reemplazo aparecieron los de Lester Allen, Bob Hill, y Harry Frank, con arreglos –que en este caso particular muy bien se pueden calificar de desarreglos– de P. Schirmann. Lo lamentable de este atropello autoral fue que estos cuatro músicos, de no gran renombre comparados con Villoldo o Discépolo, cobraron los derechos de autor. Esto fue posible gracias a que en esa época los derechos de autor en los EE.UU. sólo protegían a los músicos norteamericanos. El resto del mundo no entraba en esta ley, por lo que cualquier músico podía tomar libremente un tema internacional, exitoso o desconocido, ponerle letra en inglés, hacerle ciertos arreglos y embolsarse los dólares correspondientes por derechos de autor.

A la versión de Georgia Gibbs, le disputaron el primer puesto las grabaciones que hicieron inmediatamente después los cantantes Tony Martin, Toni Arden y Billy Eckstine, y la orquesta de Guy Lombardo. Pero la versión más difundida y que perduró en la mente de muchos por más largo tiempo fue la realizada por Louis Armstrong al frente de sus "All Stars", su mágica trompeta y su cascada voz. Como antes lo había logrado con Adiós muchachos, Armstrong repitió en 1955 la hazaña al colocar también El choclo, pero con el titulo de Kiss of Fire, en los primeros puestos de las listas de popularidad. Tocado muy a su estilo, pero con gracia y ritmo, su grabación fue considerada una burla por algunos tangueros de ideas no muy avanzadas, pero elogiada como un gran exito por los amantes del tango con mentes más abiertas.

Ese mismo año de 1952, la cantante Pearl Bailey obtiene un éxito de venta con su grabación de It Takes Two To Tango de Al Hoffman y Dick Manning. No precisamente un tango, pero si con su inconfundible compás, meses después se le sumaría, con igual suceso, la versión de Louis Armstrong respaldado por la orquesta de Sy Oliver. El título de la composición pasaría a ser un dicho popular del pueblo norteamericano para significar que una persona sola no puede hacer todo.

En mayo de 1954, nuevamente Broadway entronizó otro tango en el gusto popular norteamericano con espectacular suceso: Hernando's Hideaway (El escondite de Hernando). Escrito por Richard Adler y Jerry Ross para su comedia musical "The Pajama Game", se convirtió en el número atracción del espectáculo a la par que en un suceso mundial.

La primera versión del tema, y la que logró más popularidad, fue la realizada por la orquesta de Archie Bleyer (1909-1984). Su grabación incluía una fuerte introducción de castañuelas por María Alba –fácil de entender si se piensa que era una célebre solista de castañuelas. Estereotipada en extremo, esta grabación ocupó el primer lugar de la lista "Top Ten Hits", posición que no pudieron ocupar las dos más respetuosas, aunque muy jazzeadas versiones que le siguieron, una realizada por Guy Lombardo y su orquesta, la otra por el cantante Johnnie Ray. Tiempo después, la magnífica cantante de color Ella Fitzgerald superaría a todas las versiones anteriores al verter el tema con picardía y gracia, haciéndolo más digerible que nadie para un público totalmente jazzístico.

Sea como fuere, tal fue el éxito de Hernando's Hideway que su insinuante ritmo quedó identificado como el prototipo del tango norteamericano por excelencia, una distinción compartida, o acaso disputada, sólo por Orchids in the Moonlight, el tema que Vincent Youmans y Gus Kahn-Eduard Eliscu compusieran para la película "Flying Down To Rio" (Volando a Río) (1933). La pegadiza línea melódica, el cadencioso ritmo de tango mezclado con habanera y la aceptación popular que estas dos últimas composiciones tuvieron, hicieron que con el tiempo ambas fueran incorporadas al repertorio de varias orquestas auténticas de tango.

Las Orquestas se suman a los cantantes

Esta avalancha de tango se vio reforzada con la aparición de varios LPs grabados por orquestas bailables. Entre los más difundidos estuvieron el de Freddy Martin, "At The Coconut Grove" (1957). Este atractivo LP incluía una serie de tangos europeos mezclados con auténticos, entre los que sobresalía My Lost Love, que no es otro que Nostalgias de Cobián y Cadícamo. Otro llamativo LP fue "Tango Time" (1958) por "Pancho and His Orchestra", la agrupación del amigo de Juan Carlos Cobián, Francisco "Pancho" Rosquellas. Dado que su director era argentino, éste fue el único LP integrado totalmente por tangos auténticos. Finalmente, sobresalen los álbumes "Tango" (1959) y "King of the Tango" (1960). Grabados ambos por "Malando and His Tango Orchestra", el primero con tangos argentinos, el segundo completado con más tangos internacionales que auténticos. Pero el LP que logró un mayor impacto fue el titulado "Cugatango" de Xavier Cugat. Ya sin sus "Gigolós", Cugat lo registró para la serie bailable "House Party" de Columbia Records. Con un sonido orquestal más pulido que el de su agrupación anterior, Cugat incluye aquí tangos internacionales mezclados con felices versiones de Adiós muchachos, Caminito y otros.

Al terminar la década de 1950, entre la mezcla anodina con otros ritmos y la carencia de un ejemplo de autenticidad, el furor en los EE.UU. por el tango en fue decayendo, quedando relegado a ser otro baile más de salón.

martes, 8 de enero de 2013

Los Dinzel (el baile del tango)


Mästarna Gloria och Rodolfo Dinzel

Gloria och Rodolfo Dinzel blev år 1972 dansparet "Los Dinzel" och som sådant har de utvecklat en konstnärlig karriär, forskning kring tangon och utvecklat ett pedagogiskt system,
s k Dinzelsystemet.

Dinzelsystemet, som används i deras studio i Buenos Aires och även på "Centro Educativo del Tango de Buenos Aires", f.d. "Universidad del Tango", (Tango Utbildningscenter i Buenos Aires, före detta Tango Universitetet)

Dinzelsystemet har skapats efter en gedigen 30-årig forskning kring den Argentinska Tangondansens grunder. Systemet bygger på hur tangon började dansas kring 1850-talet. Det skapades utifrån ett behov av att uttrycka sig. Tangon blev en improvisationsdans där ingenting var i förväg bestämt utan skapades i stunden av de båda lika aktiva dansarna.

Dinzel tangostudio kan du finna i Buenos Aires på den här adressen:

CALLE JUFRE, 160. VILLA CRESPO
TEL. 00 54 11 4777-0405

Här namnen på några av de lärare som av och till undervisar i Dinzel studion:
Män: Erick, Miguel, Mauro, Camilo, Pablo
Kvinnor: Rosa, Helena, Griselda


The masters Gloria and Rodolfo Dinzel

In 1972 became Gloria and Rodolfo Dinzel the dance couple "Los Dinzel" and as such they have developed an artistic career, research about tango and developed a pedagogical system,
i. e. the Dinzel system.

The Dinzel system is frequently used in their studio in Buenos Aires, and even at "Centro Educativo del Tango de Buenos Aires", former "Universidad del Tango", (Tango Education centre in Buenos Aires, Tango University)

The Dinzel system has been created after a solid 30 years period of research around the basics of the Argentine tango. The system is built on how tango was danced at the period of 1850th. It was created out of a need to express oneself. Tango became a dance of improvisation where nothing was decided in advance, rather it was created in that moment it was danced by two equally active dancers.

You can find Dinzel tango studio in Buenos Aires at this address:

CALLE JUFRE, 160. VILLA CRESPO
TEL. 00 54 11 4777-0405

Here is the name of some of the teachers who teach now and then at the studio of Dinzel:
Men: Erick, Miguel, Mauro, Camilo, Pablo
Women: Rosa, Helena, Griselda


Los maestros Gloria y Rodolfo Dinzel

En 1972 se formó la pareja de baile Gloria y Rodolfo Dinzel  "Los Dinzel" y, como tal, ellos han desarrollado una carrera artística, de investigación sobre el tango y han desarrollado un sistema pedagógico, es decir el sistema Dinzel.

El sistema Dinzel es usado con frecuencia en su estudio en Buenos Aires, y hasta en "el Centro Educativo del Tango de Buenos Aires", antigua "Universidad del Tango", (centro de Educación de Tango en Buenos Aires, Universidad de Tango)

El sistema Dinzel ha sido creado después de un período de unos 30 años de contínua investigación sobre los fundamentos del tango argentino. El sistema se basa sobre como el tango fue bailado en el período de 1850. Fue creado como una necesidad de expresarse. El tango se hizo un baile de improvisación donde nada era decidido de antemano, en efecto fue creado en aquel momento mientras bailaban dos bailarines igualmente activos.


Usted puede encontrar el estudio de tango Dinzel en Buenos Aires en esta dirección:

CALLE JUFRE, 160. VILLA CRESPO
TEL. 00 54 11 4777-0405

Aquí está el nombre de algunos profesores que dan clases habitualmente en el estudio de Dinzel:
Hombres: Erick, Miguel, Mauro, Camilo, Pablo
Mujeres: Rosa, Helena, Griselda

The masters Gloria and Rodolfo Dinzel

In 1972 became Gloria and Rodolfo Dinzel the dance couple "Los Dinzel" and as such they have developed an artistic career, research about tango and developed a pedagogical system,
i. e. the Dinzel system.

The Dinzel system is frequently used in their studio in Buenos Aires, and even at "Centro Educativo del Tango de Buenos Aires", former "Universidad del Tango", (Tango Education centre in Buenos Aires, Tango University) 

The Dinzel system has been created after a solid 30 years period of research around the basics of the Argentine tango. The system is built on how tango was danced at the period of 1850th. It was created out of a need to express oneself. Tango became a dance of improvisation where nothing was decided in advance, rather it was created in that moment it was danced by two equally active dancers.

You can find Dinzel tango studio in Buenos Aires at this address:

CALLE JUFRE, 160. VILLA CRESPO
TEL. 00 54 11 4777-0405

Here is the name of some of the teachers who teach now and then at the studio of Dinzel:
Men: Erick, Miguel, Mauro, Camilo, Pablo 
Women: Rosa, Helena, Griselda


The masters Gloria and Rodolfo Dinzel

In 1972 became Gloria and Rodolfo Dinzel the dance couple "Los Dinzel" and as such they have developed an artistic career, research about tango and developed a pedagogical system,
i. e. the Dinzel system.

The Dinzel system is frequently used in their studio in Buenos Aires, and even at "Centro Educativo del Tango de Buenos Aires", former "Universidad del Tango", (Tango Education centre in Buenos Aires, Tango University) 

The Dinzel system has been created after a solid 30 years period of research around the basics of the Argentine tango. The system is built on how tango was danced at the period of 1850th. It was created out of a need to express oneself. Tango became a dance of improvisation where nothing was decided in advance, rather it was created in that moment it was danced by two equally active dancers.

You can find Dinzel tango studio in Buenos Aires at this address:

CALLE JUFRE, 160. VILLA CRESPO
TEL. 00 54 11 4777-0405

Here is the name of some of the teachers who teach now and then at the studio of Dinzel:
Men: Erick, Miguel, Mauro, Camilo, Pablo 
Women: Rosa, Helena, Griselda